George Gershwin: por qué su música fue la banda sonora del mundo optimista de los Estados Unidos de principios del siglo XX

Imagen principal: © Colección de fotografías de Carl Van Vechten en la Biblioteca del Congreso

De Rapsodia en azul a Porgy and Bess, desde ‘Swanee’ hasta ‘Let’s Call the Whole Thing Off’, la música de George Gershwin evoca de manera única la energía y el optimismo de los Estados Unidos en las primeras décadas del siglo XX. Sus canciones y
las obras de concierto evocan el Art Deco de Hollywood y la bulliciosa Nueva York, recuerdan los locos años veinte y los necesitados de alegría de los años treinta, e incorporan la música de los afroamericanos y de los inmigrantes europeos a las grandes ciudades americanas. Gershwin escribió que la música estadounidense «debe expresar el ritmo febril de la vida estadounidense… En nuestra música debemos ser capaces de vislumbrar nuestros rascacielos, sentir esa explosión abrumadora de energía que está embotellada en nuestra vida, escuchar ese caos de ruidos». que impregna el aire de nuestra moderna ciudad americana.’

Su vida fue corta (tenía 38 años cuando murió), pero en ese breve tiempo logró mucho, escribiendo canciones que ahora son estándares y piezas de concierto que estrecharon la brecha, que alguna vez se consideró infranqueable, entre la música clásica y el jazz.

George Gershwin nació en Nueva York en 1898 de Rose y Morris Gershvin, inmigrantes judíos de Rusia que huían de los pogromos y la persecución. (Los padres de Irving Berlin, Richard Rodgers y Leonard Bernstein también eran judíos rusos; se ha dicho que al zar Alejandro III se le podría atribuir la próspera escena musical de Broadway del siglo XX). George era dos años menor que el hijo mayor, Ira. , cuya personalidad apacible demostraría ser el contrapeso perfecto a la forma extrovertida de George. El joven George era un chico de la calle, corría por su vecindario en el Lower East Side y se metía en líos. Mientras tanto, el aficionado a los libros Ira tomó lecciones de piano sin entusiasmo con su tía Kate.

George Gershwin al piano. © Lebrecht Música y Artes

Pero George tenía una chispa musical que estaba esperando ser encendida. Más tarde citó dos experiencias clave que lo orientaron hacia la música: a los seis años, escuchar la canción de Rubinstein Melodía en Fa tocaba en una pianola, y a los diez años, escuchando a un joven violinista de su misma edad tocar la canción de Dvořák humoresco («fue una revelación fulgurante de belleza»). Imagínese la sorpresa de la familia un día cuando el irresponsable George, de 12 años, se sentó al piano y tocó una canción popular. «Recuerdo estar particularmente impresionado por su mano izquierda oscilante y por los efectos armónicos y rítmicos que pensé que eran tan hábiles como los de la mayoría de los pianistas que había escuchado en el vodevil», dijo Ira. La familia no supo hasta entonces que George había estado aprendiendo piano de forma autodidacta en la casa de un vecino.

George tomó el lugar de Ira como el aspirante a prodigio del piano. En sus primeros años de clases, pasó por tres maestros hasta que finalmente se instaló en Charles Hambitzer, un excelente maestro que sentó las bases de su técnica. Hambitzer dijo de su alumno: ‘Es un genio, sin duda. Dejará su huella en la música si alguien lo hace.

A los 15 años, Gershwin encontró un trabajo como ‘conector de canciones’ en Remick and Co, y dejó atrás la educación formal. En Remick, se sentaba al piano en una habitación diminuta, hasta diez horas al día, tocando partituras para cantantes, directores de orquesta y empresarios. Aún así encontró tiempo para ir a conciertos y espectáculos. Gershwin admiraba especialmente a Jerome Kern. «Seguí el trabajo de Kern y estudié cada canción que compuso», dijo. «Le pagué el tributo de la imitación franca, y muchas cosas que escribí en este período sonaron como si Kern las hubiera escrito él mismo».

Dejó Remick por el teatro musical, tocando el piano y componiendo música extra entre los grandes números. Todo el tiempo él estaba escribiendo canciones. En una fiesta de 1919, el famoso animador Al Jolson escuchó a Gershwin tocar una de esas canciones, ‘Swanee’. Inmediatamente lo tomó para su nueva revista. ‘Swanee’, con sus ingeniosas referencias a ‘Old Folks at Home’ de Stephen Foster, captó la atención del público. Durante el año se vendieron dos millones de copias de la grabación de Jolson y una cantidad similar de partituras, lo que hizo que Gershwin se hiciera famoso. Inmediatamente después de este triunfo, el empresario George White contrató a Gershwin para que escribiera la música de su escándalos. Gershwin proporcionó canciones para cinco escándalosincluyendo ‘Construiré una escalera al paraíso’ y ‘Alguien me ama’.

Los ‘Roaring Twenties’ ciertamente rugieron para Gershwin, quien se encontraba en las mejores fiestas, con una multitud de invitados a su alrededor mientras tocaba al piano. «Podías sentir la electricidad que recorría la habitación cuando tocaba», recordó Burton Lane, citado en la biografía de Gershwin de Rodney Greenberg. «Podía transponer a cualquier tonalidad con la mayor facilidad. Tenía el control total de lo que estaba haciendo. Sorpresas musicales, cambios de tonalidades insólitos. Fue uno de los pocos compositores que tenía un verdadero sentido del humor. Con su estilo de vida de 24 horas, Gershwin no parecía ansioso por casarse. Su mayor pasión parecía ser su trabajo, y no sufría de baja autoestima. ‘Dime, George’, dijo el cáustico pianista y compositor Oscar Levant, un amigo cercano, ‘si tuvieras que hacerlo todo de nuevo, ¿todavía te enamorarías de ti mismo?’

Rapsodia en azul

Para Gershwin, el éxito como compositor no fue suficiente. Quería escribir un musical de Broadway, emulando a su héroe Kern, y quería escribir piezas para la sala de conciertos. En esta última ambición encontró un espíritu comprensivo en el líder de la banda Paul Whiteman, quien contrató a Gershwin para componer un concierto de jazz. Whiteman había reservado el Carnegie Hall para un concierto de música jazz que demostraría que el jazz era «un nuevo movimiento en el arte musical mundial». Solo cinco semanas antes del concierto, Gershwin se dio cuenta del poco tiempo que tenía para componer. Trabajó frenéticamente, solicitando la ayuda orquestal del compositor Ferde Grofé, para preparar Rapsodia en azul (escrito para ‘Jazz Band and Piano’) para el concierto del 12 de febrero de 1924. Rapsodia en azul – esa extraordinaria mezcla de Tin Pan Alley, klezmer, blues afroamericano y más – atrajo cinco toques de telón y críticas muy favorables.

Si 1924 fue un buen año para el compositor en ciernes, que tuvo su primer éxito musical en Broadway con ¡Señora, sé buena!, también marcó la primera vez que Ira reveló públicamente su papel como letrista de George. Los hermanos irrumpieron en Broadway con una serie de éxitos: de puntillas; ¡Ay, Kay!; Cara graciosa; Chica loca y De Ti Yo Canto. Las canciones de este período son algunas de las mejores: ‘S Wonderful’, ‘Fascinating Rhythm’, ‘The Man I Love’, ‘Sweet and Low-Down’, ‘Someone to Watch Over Me’ y ‘I Got Rhythm’.

Chica loca hizo el nombre de una cantante de Broadway llamada Ethel Merman, y también incluía una canción encantadora llamada ‘Embraceable You’, que aparece en las partituras de este número (página 54). ‘Embraceable You’ fue compuesta para una revista de fines de la década de 1920 llamada Este es Oeste, pero Gershwin no era reacio a reciclar buen material. Esta hermosa canción ha sido grabada por varios cantantes, sobre todo Billie Holiday en 1944. El biógrafo de Gershwin, Howard Pollack, señala que en ‘Embraceable You’ la melodía principal no comienza en el tiempo fuerte. George también planteó un desafío para Ira al trabajar en rimas de cuatro sílabas al final de cada estrofa, ‘produciendo rimas como «tipsy in me» y «gypsy in me»‘, como señala Pollack.

Los dos lados de Gershwin, el compositor y el compositor ‘serio’, se unieron en su gran ópera, Porgy and Bess, basada en la novela de DuBose Heyward sobre los afroamericanos pobres de Charleston, Carolina del Sur. Después de mucho ir y venir sobre los derechos, el trabajo comenzó en 1933, con Heyward proporcionando el libreto.

La emocionante ‘Summertime’ abre la ópera, y no es la única canción destacada, con ‘I Got Plenty o’ Nuthin’, ‘It Ain’t Necessally So’ y ‘Bess, You Is My Woman Now’, entre otras. Después de una prueba en Boston, Porgy y Bess comenzó su carrera en Nueva York en octubre de 1935. Ha habido tantas actuaciones destacadas de Porgy and Bess desde 1935 que es difícil imaginar que no fue un éxito inmediato, pero vio solo 124 funciones y perdió dinero.

Desanimado por la recepción mediocre de su música en Nueva York, Gershwin, junto con Ira, se dirigió a Hollywood en 1936. Había trabajado allí seis años antes, escribiendo música para una película llamada Delicioso – pero no fue hasta que cerró un trato con RKO para una película de Fred Astaire y Ginger Rogers, Bailamos, que decidió regresar. Jorge alquiló una casa enorme en Beverly Hills con una cancha de tenis (donde a veces jugaba con Arnold Schoenberg).

Bailamos es un clásico de las películas de Astaire-Rogers, con grandes canciones como ‘Shall We Dance’, ‘Let’s Call the Whole Thing Off’ y ‘They Can’t Take That Away from Me’, así como un espectacular juego de pies de Astaire y Rogers .

Desafortunadamente, las próximas dos películas de los Gershwin, Una damisela en apuros y Locuras de Goldwynno eran tan ligeros de pies como Bailamos. Peor aún, Hollywood estaba pasando factura a Gershwin. Los dolores de cabeza de los que se quejaba antes de salir de Nueva York habían empeorado. Le dijo a un amigo: ‘No soy el tipo de compositor en el que un hombre me dice que necesito cinco canciones para esta película, ahora compón. Ya no puedo hacer eso. Me muero por volver a Nueva York a componer cuando quiera.’

Pero Gershwin nunca volvió a Nueva York. El 11 de julio de 1937, murió de un tumor cerebral no diagnosticado luego de una operación fallida para extirparlo. La canción en la que estaba trabajando antes de morir era ‘Love Is Here to Stay’. Ira agregó los versos más tarde, y algunos han sugerido que la canción es un tributo al amor entre los dos hermanos: «Está muy claro / Nuestro amor está aquí para quedarse / No por un año / Pero siempre y un día».

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El legado de Gershwin

Gershwin fue uno de los primeros compositores en sentirse cómodo tanto en la música popular como en la sala de conciertos. Este hecho despertó algunas sospechas de que era un aficionado a la música. Pero el pianismo de Gershwin impresionó a sus colegas. El compositor de formación rusa Vernon Duke dijo: «Gershwin me impresionó como un compositor excelentemente equipado y altamente calificado». La contribución de Grofé a Rapsodia en azul es bien conocido, pero como argumenta el biógrafo de Gershwin, Greenberg, es posible que nunca sepamos cuánta ayuda tuvo Gershwin con sus otros trabajos de concierto: Concierto en Fa (1925), Un americano en París (1928), segunda rapsodia (1931), Obertura Cubana (1932) y Variaciones sobre ‘I Got Rhythm’ (1934). También escribió un puñado de obras para piano solo, incluidos Three Preludes y una colección de sus canciones, Cancionero de George Gershwin (1932).

La reputación de peso ligero de Gershwin no se ha visto favorecida por el hecho de que se sabe que pidió lecciones a muchos compositores famosos, entre ellos Glazunov, Varése, Ibert y Schoenberg. Hay una historia famosa, aunque posiblemente apócrifa, sobre Gershwin pidiéndole lecciones a Stravinsky. En respuesta, Stravinsky le preguntó a Gershwin cuánto ganaba. Al escuchar la increíble figura, Stravinsky comentó: ‘¡Entonces tal vez debería tomar lecciones contigo!’

En 1928, Gershwin actuó para Ravel en el 53 cumpleaños del gran compositor francés. La anfitriona de la fiesta recordó que Ravel quedó asombrado por ‘la facilidad con la que George escalaba las más formidables dificultades técnicas y su genialidad para tejer ritmos complicados y su gran don para la melodía’. Una vez más, Gershwin abordó el tema de las lecciones, a lo que se dice que Ravel respondió: «Es mejor escribir un buen Gershwin que un mal Ravel, que es lo que sucedería si trabajaras conmigo». Ravel envió a Gershwin a Nadia Boulanger, la formidable maestra de Copland, Carter, Lipatti y muchos más. «No tenía nada que ofrecerle», dijo Boulanger. ‘Le sugerí que estaba bien y que debería continuar. Le dije que lo que podía enseñarle no le ayudaría mucho… y estuvo de acuerdo.’ Puede decidir por sí mismo acerca de las habilidades pianísticas de Gershwin, al menos, escuchando grabaciones de su interpretación. Hizo 140 rollos de piano, algunos durante sus días en Remick, y también grabó en discos fonográficos.

Las canciones de George Gershwin son una piedra angular del «Gran cancionero estadounidense» y han sido grabadas por todos, desde Ella Fitzgerald hasta Rod Stewart, mientras que sus obras orquestales son elementos básicos de la sala de conciertos. La fuerza de sus composiciones radica en el hecho de que han sido retomadas por una amplia variedad de intérpretes y, sin embargo, nunca pierden su esencial ‘Gershwin-ness’. Sin embargo, el propio Gershwin se centró en componer para su propia época y no necesariamente para las épocas. Él dijo una vez, ‘La música debe reflejar los pensamientos y aspiraciones de la gente y el tiempo. Mi gente es estadounidense. Mi tiempo es hoy.

Este artículo está tomado del número 72 de Pianista.

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