12 de los pianistas estadounidenses más icónicos

Este artículo está tomado de pianista 71

por Harriet Smith


¿Cómo haces para descifrar el término ‘pianista estadounidense’?

¿Es una cuestión de lugar de nacimiento? ¿O es suficiente simplemente haber estado basado allí por un período de tiempo? Decidimos descartar firmemente a aquellos que habían nacido en los Estados Unidos pero vivían en otro lugar, por lo que se fueron luminarias como Stephen Kovacevich y Murray Perahia.

En cuanto a vivir allí, eso parecía algo vago, por lo que acordamos que solo aquellos que habían asumido la ciudadanía estadounidense estaban en consideración. El alcance de una encuesta de este tipo es tan grande y variado como el propio país, por lo que lo que sigue es una visión personal y desvergonzada de aquellos que han dado forma al panorama pianístico estadounidense de una forma u otra. Estados Unidos es un país notoriamente difícil de conquistar para cualquier artista. No se trata simplemente de una cuestión de tamaño, aunque eso influye, sino de su gran diversidad cultural y estilística.

1. Van Cliburn (1934-2013)

©El Cliburn

El lugar natural para comenzar es con el poster-boy que sigue siendo el único pianista que ha disfrutado de un desfile de teletipos en Nueva York. Porque, ¿qué podría ser más delicioso que un estadounidense arrebatando el premio principal en el primer Concurso Tchaikovsky en Moscú? de la Guerra Fría.

Ese fue el cuento de hadas que lanzó la carrera de Van Cliburn, de 23 años, en 1958. Era una carrera que iba a desarrollarse bajo los focos más brillantes durante los siguientes 20 años antes de una pausa en 1978 que inicialmente tenía la intención de para durar un año más o menos y se prolongó durante casi una década. Oportunamente, fue una invitación a la Casa Blanca en 1987 para tocar para el líder ruso visitante Mikhail Gorbachev lo que lo trajo de vuelta al público.

Pero Cliburn, quien falleció en 2013, fue mucho más que un simple símbolo del acuerdo entre Oriente y Occidente: combinó un virtuosismo innato con un canto particularmente cautivador en los románticos rusos, ya sea el Tercer Concierto de Rachmaninov y la Segunda Sonata o la de Tchaikovsky. Primero. Sin mencionar que un prestigioso concurso internacional de piano (y un concurso de piano amateur) lleva su nombre.

Van Cliburn protagoniza la portada de Pianista 126 – un número especial estadounidense.

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2. Rodolfo Serkin (1903-1991)

©Bilsen/Joop van Anefo

Si el tejano Van Cliburn es el último chico estadounidense, el paisaje musical del siglo pasado se ha formado tanto por inmigrantes, a menudo obligados a ingresar a suelo estadounidense por las privaciones de la guerra, como por nativos del país.

Aunque murió en 1991, Rudolf Serkin es una figura que surge una y otra vez en las biografías formativas de nuestro top 10. Serkin enseñó a generaciones de artistas en el Instituto Curtis de Filadelfia, donde ocupó el cargo de director durante ocho años. Nacido en una familia judía rusa en Bohemia en 1903, Serkin se educó en Viena antes de mudarse a Berlín. Con el ascenso de Hitler huyó a Estados Unidos en 1939 con el violinista Adolf Busch, su socio musical y suegro.

Serkin y Busch fundaron el famoso Festival Marlboro en Vermont, que durante mucho tiempo ha desempeñado un papel clave como lugar donde se nutre la próxima generación de grandes artistas, jóvenes que se codean con artistas establecidos en los entornos más idílicos e informales, un santuario, más más precioso que nunca hoy, de los rigores de la vida de concierto.

3. Richard Goode (n. 1943)

©Steve Riskind

Hoy, Marlboro florece bajo el liderazgo compartido de Mitsuko Uchida y Richard Goode, uno de los artistas que se benefició de las enseñanzas de Serkin. Nacido en 1943 en la ciudad de Nueva York, Goode estudió con Mieczysław Horszowski en el Instituto Curtis, al que asistió después del Mannes College, donde sus profesores incluyeron a Claude Frank y Nadia Reisenberg.

Aunque Goode tuvo éxito en el Concurso Clara Haskil de 1973, su carrera ha sido un crescendo gradual en lugar de un deslumbramiento juvenil. Eso parece totalmente adecuado tanto a su personalidad como al repertorio que interpreta. Beethoven ha formado la columna vertebral de sus actividades, y su ciclo de sonatas de principios de la década de 1990 sigue siendo un punto de referencia por su perspicacia y alegría de vivir. Es tanto músico de cámara como solista y dice mucho de él que la mayoría de sus colaboraciones son de larga data, ya sea con el clarinetista Richard Stoltzman o la soprano Dawn Upshaw.

4. Emmanuel Axe (n. 1949)

©Lisa Marie Mazzucco

Emanuel Axe, seis años menor que Goode, llegó a Nueva York vía Lviv (entonces en Polonia, ahora en Ucrania), Varsovia y Winnipeg. Cuando tenía 12 años, se inscribió en la Juilliard School bajo la tutela de Mieczysław Munz, y en 1970 se convirtió en ciudadano estadounidense. Al igual que Goode, tuvo éxito en las audiciones de jóvenes artistas de conciertos e inicialmente estableció su reputación como un destacado músico de cámara, especialmente aclamado por su asociación con Yo-Yo Ma.

Su cuarteto con Isaac Stern y Jaime Laredo también trajo más reconocimiento, así como una gran cantidad de grabaciones importantes de los cuartetos para piano de Mozart, Fauré, Schumann y Brahms. Como solista, su carrera ha construido y construido y se deleita en abrazar tanto el repertorio moderno como el central.

5. Yefim Bronfman (n. 1958)

Yefim Bronfman comparte cualidades tanto con Goode como con Axe. Al igual que Axe, nació fuera de Estados Unidos, en Tashkent en 1958. Su familia emigró entonces a Israel cuando él tenía 15 años. Se convirtió en ciudadano estadounidense a los 31 años, habiendo estudiado en ese gran triunvirato: Juilliard, Curtis y Marlboro.

Sus maestros incluyeron a los grandes y buenos: Rudolf Serkin, Leon Fleisher y Rudolf Firkušný.

Al igual que Axe, actuó regularmente con Isaac Stern y, como solista, ha producido relatos clásicos de los conciertos de Bartók (con Esa-Pekka Salonen) y las sonatas y conciertos de Prokofiev (con Zubin Mehta). Incluso ha aparecido en las páginas de la novela de Philip Roth. La Mancha humana, con el narrador bromeando diciendo que Bronfman se parece «menos a la persona que va a tocar el piano que al tipo que debería moverlo». ¡Sin embargo, la prueba está en sus actuaciones!

6. León Fleisher (1928-2020)

©Joanne Savio

Leon Fleisher, el único de la costa oeste entre nuestros diez, provenía de San Francisco. Fleisher jugó un papel muy importante en la historia más reciente de Estados Unidos y el piano. Sus prodigiosos dones se mostraron temprano, con Pierre Monteux, nada menos, declarándolo ‘el hallazgo pianístico del siglo’ cuando Fleisher tenía solo 16 años. Esto no sorprendió a su antiguo maestro, un tal Artur Schnabel, quien, junto con Maria Curcio, había guiado al joven artista, y quizás no sea una coincidencia que Fleisher sobresaliera en parte del mismo repertorio, no más convincente que los conciertos de Brahms, en los que la delicadeza y la fuerza se mantienen en perfecta sintonía.

Muchos artistas menores habrían sido derribados por la misteriosa lesión a mediados de la década de 1960 que llevó a Fleisher a perder el uso de su mano derecha durante varias décadas (la lesión se diagnosticó más tarde como distonía focal). Pero retomó las piezas, interpretando un repertorio solo para zurdos y forjándose una reputación como pedagogo.

7. Gary Graffman (n. 1928)

Gary Graffman nació en la ciudad de Nueva York en 1928, solo tres meses después de Fleisher. Estudió en Curtis (con Isabelle Vengerova), debutando con Filadelfia con Eugene Ormandy. Sus dones se perfeccionaron aún más con las experiencias contrastantes de Serkin y Marlboro y las lecciones informales con Vladimir Horowitz.

Disfrutó de una larga amistad con Fleisher, y los dos gigantes del teclado también están vinculados de una manera más desafortunada, ya que Graffman también se lesionó la mano derecha. Lo que comenzó como un simple esguince en 1977 se convirtió en la misma distonía focal desastrosa. Al igual que Fleisher, trabajó en torno al problema, explorando otros intereses, que iban desde la escritura pasando por la fotografía hasta el arte oriental y la enseñanza (se incorporó a Curtis en 1980). Continuó actuando, en particular dando el estreno británico tardío del concierto para la mano izquierda de Korngold.

Pero Graffman fue más allá y encargó nuevas obras, en particular a Ned Rorem y William Bolcom, este último escribiendo un doble concierto para piano con la mano izquierda específicamente para Graffman y Fleisher. Al igual que Fleisher, ha sido una gran influencia en la próxima generación a través de su enseñanza, con Yuja Wang, Lydia Artymiw y Lang Lang entre sus antiguos alumnos.

8. Byron Janis (n. 1928)

© S. hurok

1928 fue de hecho un muy buen año para los pianistas estadounidenses, ya que entonces nacieron Fleisher, Graffmann y Byron Janis. Las conexiones no paran allá. Al igual que Graffman y Fleisher, Janis ha tenido problemas en las manos, aunque en su caso ha sido una artritis incapacitante, que comenzó cuando tenía cuarenta y tantos años.

Al igual que Graffman, estudió con Horowitz, después de un período en el Juilliard donde fue alumno de la legendaria Rosina Lhévinne, de ninguna manera la única pianista de nuestros 10 que lo ha sido. Y, como Fleisher, nutrir a la próxima generación y más allá ha sido durante mucho tiempo una gran preocupación. De todos los compositores, Janis es quizás el más asociado con Chopin (y mientras estaba en Francia en 1967 se topó con los manuscritos de dos valses desconocidos de Chopin). Lo que hace que su relación con el polaco sea tan especial es un enfoque clasicista, una técnica aparentemente ilimitada y una inteligencia inquisitiva. Pero es tan convincente en cifras tan contrastadas como Liszt, Schumann y Prokofiev.

9. André Previn (1929 – 2019)

©Bert Verhoeff/Anefo

Estados Unidos ha representado durante mucho tiempo un crisol de estilos musicales, uno donde el llamado arte alto y bajo no tienen miedo de mezclarse (piense en el adolescente George Gershwin tocando canciones en Tin Pan Alley). Nadie ejemplifica mejor las glorias de esa fusión y mezcla que André Previn, quien logró una cantidad prodigiosa en una variedad vertiginosa de campos.

Nacido en Berlín, se mudó a Los Ángeles cuando cumplió diez años y adquirió la ciudadanía estadounidense en 1943. Comenzó su carrera (todavía en su adolescencia) como arreglista y compositor de bandas sonoras para Hollywood; también encontró tiempo para tomar lecciones de dirección con Pierre Monteux aproximadamente al mismo tiempo que el francés elogiaba el genio de Leon Fleisher (incluso en un país tan vasto, es sorprendente la frecuencia con la que se superponen las narrativas de estos individuos). Previn era en ese momento igualmente aclamado como pianista de jazz. Siguió una extraordinaria carrera a tres bandas como compositor, pianista y director de orquesta, aparentemente sin fronteras en términos de género, incluso si su nombre estará vinculado para siempre (al menos para los británicos) con el programa de televisión Morecambe and Wise de la década de 1970.

10. Ursula Open (n. 1944)

Otra pianista para la que hay que traspasar fronteras es la neoyorquina Úrsula, que estuvo a la vanguardia en lo que se refiere a programación aventurera: el ‘Hammerklavier’ de Beethoven en compañía de la Segunda Sonata de Boulez, por ejemplo.

Alumna de Juilliard, donde estudió con la legendaria Rosina Lhévinne, Oppens ganó el Concurso Busoni en 1969, pero no tomó el camino fácil a partir de ahí. En cambio, creó un nuevo grupo musical con el percusionista Richard Fitz y el violonchelista Fred Sherry.

Desde entonces ha estado activa tanto como músico de cámara como solista (llegando incluso a asistir a clases de improvisación cuando la música lo requería). La lista de compositores que han escrito para ella habla por sí sola: Anthony Davis, John Harbison, György Ligeti, Witold Lutoslawski, Conlon Nancarrow, Tobias Picker, Frederic Rzewski, Joan Tower y Charles Wuorinen, y, sobre todo, Elliott Carter, cuyo ahora… El clásico Night Fantasies fue el resultado de un inusual encargo a cuatro bandas de ella y Paul Jacobs, Gilbert Kalish y Charles Rosen.

11. Garrick Ohlsson (n. 1948)

©Darío Acosta

Garrick Ohlsson, cuatro años menor que Oppens, también estudió en el Juilliard con Rosina Lhévinne, aunque ella era solo una maestra entre una lista bastante grande: Claudio Arrau, Olga Barabini, Tom Lishman, Sasha Gorodnitzki e Irma Wolpe. Como ella, ganó el Concurso Busoni (en 1966, en el que Richard Goode quedó en segundo lugar).

Pero la puerta de entrada, en cuanto a la carrera, para Ohlsson fue el Concurso Chopin de 1970. Fue el primer ganador estadounidense en una era en la que las principales competiciones eran menos y, en consecuencia, de mayor perfil. No sorprende que desde entonces haya estado estrechamente relacionado con la música de Chopin, que ha grabado con autoridad. Pero eso es solo la punta del iceberg: tiene una asombrosa variedad de repertorio a su alcance, incluidos más de 80 conciertos. Es uno de los pocos pianistas que ha dominado el Concierto de Busoni, es un brahmsiano de gran garbo y sus sonatas para piano de Weber (todavía un repertorio extrañamente subestimado) son una delicia.

12. Jonathan Biss (n. 1980)

©Benjamin Ealovega

Con solo 41 años, Jonathan Biss también podría agregarse a este grupo de pianistas estelares. Nacido en una familia de músicos, fue alumno de Fleisher en el Instituto Curtis y primero se hizo famoso como músico de cámara, perfeccionando su arte en Marlboro y Ravinia. También está demostrando ser el último en la línea de los grandes pensadores-pianistas como Goode y Charles Rosen, y así continúa una gran tradición intelectual pianística.

Jonathan Biss apareció en la portada de Pianista 71.

Sobre el Autor

Harriet Smith es escritora de numerosas publicaciones. Anteriormente ha escrito para múltiples números de Pianist incluyendo número 68 y número 76. También ha escrito extensamente para Gramophone.

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